Miércoles en el edificio de 5 pisos. Parte 2

[AI English version below]

Este texto puede sufrir modificaciones en las próximas semanas dependiendo de la respuesta de quienes están en él nombradxs. Cualquiera de ustedes, siéntanse libres de hacerme saber si hay alguna errata de información, si desean agregar alguna, si prefieren no aparecer o que use algún pseudónimo.

Leer Parte 1

(16 a 23 de octubre de 2024)

La segunda visita a la Cité des Arts fue el día 16 de octubre. Esta vez creo que llegué aún más tarde. Siempre tengo una clase que acaba a las 6:30 y tengo que transportarme desde Aubervilliers, donde está el Campus Condorcet, donde estudio. Ésa es la primera vez que veo a Eider Yangana y nos presentamos. A Victor Artiga lo reencuentro y le enseño algunos libros impresos por el Taller XD, unos de los proyectos editoriales de Cráter invertido, y se interesa por algunos de ellos, así como el que llevaba de mi autoría, publicado por la UAM. Sólo recuerdo uno de los talleres de aquel día. Pertenecía a Nicolás Vizcaíno Sánchez, artista colombiano que exponía a través de su obra la minería extractivista en el Cauca. Como en muchas de los muestras, para comprender su propuesta es necesario no solamente leer la ficha técnica, sino muchos de los materiales bibliográficos que se encuentran sobre alguna mesa. Hay foto, instalación y video articulándose entre sí, a través de su investigación. De cualquier forma, una de las piezas que llama la atención por sí misma es una pintura sobre tela negro sobre negro. Este taller se vuelve el ambiente propicio para que al dar más allá de las 9pm, las mesas se orillen y comience un fuerte debate entre la gente presente, la mayoría de ellxs latinoamericanxs. Entre estas personas se encuentran Jessica Castillo y Ana Guerrero, a quienes conoceré más adelante. Los temas  incluyen si es más adecuado el apelativo de «Abya yala» frente a «nuestra américa» u otros posibles, pero ese es apenas el principio.

Mientras abro el vino que efectivamente cumplí en llevar, la plática lleva a contar cómo es que algunxs de ellxs lograron llegar a la Cité des Arts, París, incluyendo convocatorias específicas que incluían requisitos identitarios: artistas afrodescendientes colombianxs, por ejemplo. Entonces surge la cuestión de cómo a algunxs de ellxs les exigieron comprobar su afrodescendencia por medio de documentos y trámites burocráticos de su región que lo avalen, sin importar en absoluto el color de piel que lo evidencia en algunos casos. Más densa la conversación, se abre la pregunta acerca de quienes merecen o no estar ahí y por qué. Hay posturas encontradas. La gente alza la mano para hablar y hay moderación. Aún con ello, no puedo evitar notar que algunos hombres cis tienden a acaparar la palabra, a interrumpir a otrxs y a dejar de respetar los turnos. Por supuesto, me surge una polémica interna sobre qué privilegios pesan más que otros, sobre todo estando entre gente que tiene raíces indígenas o afro, o de género diverso, neurodivergentes, etc. Supongo que son cosas que iremos trabajando. Algunxs de ellxs defienden que debemos sentirnos orgullosxs de haber logrado llegar a este lugar. Comprendo el punto, pero, consciente de mis condiciones, trato de ser lo más breve posible intentando señalar que desde cierta perspectiva todo eso también podría ser visto más bien como un accidente y que el peligro es que, al no dar cuenta de eso, el mundo del arte se alimente de nuestro orgullo y nos deseche tan pronto como dejemos de servirle.

Toda esta plática se desarrolla en español, a excepción de un hombre cis racializado del que desconozco su proveniencia, a quien una mujer cis latina le traduce al inglés y participa también gracias a ella, con traducción secuencial. Pero más allá de las cuestiones interseccionales, ahora se suma otra reflexión. Aquí sabemos que todo lenguaje es dominación. Quienes estamos ahí parecemos comprenderlo y asumir que al haber perdido ya nuestras raíces y aceptar el español, cualquier exigencia de idioma ya no sólo es absurda, sino hasta policial. Para mí por lo menos tengo claro, basado en mi experiencia hasta ese momento, que en México hablar otros idiomas es cuestión de clase. Y cuando unx mexicanx habla bien inglés o cualquier otra lengua colonial sabes que no debes confiar demasiado en esa persona. Pero también es verdad que desde el lugar en que me encuentro en ese momento, la idea de aprender otra lengua puede ser una infiltración en el mundo del enemigo, tal como lo dice la traducción que hizo Andrea Fuego del texto de Don Mee Choi, «La traducción es una forma = La traducción es una forma anti-neolcolonial». No pasará más de una semana antes de que me haga mi propia camiseta con esa leyenda. Pienso en ese tipo de cosas con la mano levantada y entre tantas participaciones y fila para esperar una nueva oportunidad para hablar, se me hace tarde. Tengo que tomar el metro y me despido. «¿Nos vemos la próxima semana?» me dice Victor, ya que su open studio será en esa ocasión. Confirmo y me voy. Ya no necesito ayuda para salir.

Para la visita de la siguiente semana yo ya había invitado a toda persona cuanta me topara en el camino dentro de la EHESS, donde estoy llevando a cabo mi estancia posdoctoral. No me importaba ni la disciplina y mucho menos si les había visto antes. Sobre todo, por la facilidad del idioma, me comunicaba con gente que escuchaba hablar en español. Acudieron a la cita solamente tres personas: la artista e investigadora Coline Raposa, el actor Preciado Rodríguez y la maestrante Alice Rossi, quien fue con una amiga suya cuyo nombre no recuerdo.

Conocí a Coline el lunes 21 de octubre en el comedor Crous de la EHESS. Aquel día sólo me enteré de que coincidíamos en el interés por hacer y hablar de arte. Francesa de nacimiento, ha viajado y vivido en diferentes partes del mundo desde que tenía 19 años, acumulando ya alrededor de 10 desde que lo hizo por primera vez por un largo periodo, viajando a República Dominicana y Colombia, entre otros países. A raíz de eso, actualmente los dibujos de Coline son una mezcla entre folclor latinoamericano y una suerte de futurismo regularmente distópico. El resultado es una especie de psicodelia oscura que a la vez conserva una suerte de inocencia en la mirada. Sueños y fantasías, como reivindicaciones culturales, se combinan con las pesadillas del progreso y la civilización. En sus trazos se evidencia que cuando dibuja su imaginación comienza a volar, distendiendo el tiempo en una búsqueda que no puede ser sino de sí misma, como siempre, pero a través de su contexto.

A Preciado lo había conocido algunas semanas antes en la boda de un amigo en común, Jonathan Leyva, quien no se dedica al arte ni a las humanidades, aunque próximamente espero convencerlo de que lo haga. Desde aquella vez que nos conocimos, hablé con Preciado acerca de la exploración de unx mismx dentro de los procesos artísticos, principalmente relacionados con las artes escénicas. Me cuenta que él había estudiado ingeniería originalmente, pero su pasión por el arte lo llevó a dejar todo para dedicarse a lo que le atraía y mudarse a París, donde había vivido algún tiempo en su infancia, y entonces darlo todo por conseguir vivir sus sueños. Estudió teatro ya en esta ciudad y actualmente sigue en curso su esfuerzo por agenciarse de su propio papel en la escena local y nacional. Cuando nos vimos en la Cité des Arts recién venía de hacer algunas presentaciones en Lyon de su propia versión de El Zorro, que él mismo produce, dirige y actúa. Este trabajo le lleva normalmente muchas horas de su día, así como todo tipo de labores mentales y emocionales, donde por supuesto el cuestionamiento acerca de su propio estatuto de latino en Europa no deja de reaparecer constantemente.

Con Alice tomo algunos seminarios en EHESS y nos encontramos frecuentemente. Ella lleva a cabo una investigación sobre el color gris en la obra del pintor Gerhard Richter, igual o más hiperespecializada que lo que yo me propongo hacer oficialmente en esa institución relacionado con la figura del punto en Kandinsky. Ambxs nos interesamos en materias de historia, sociología o antropología del arte y la imagen. Cuando la encuentro en la Cité des Arts aquel día, después de visitar un estudio en donde la artista nos guía en una especie de meditación y autoexploración del cuerpo a través de respiraciones, nos perdemos más tarde entre los pasillos habiendo tantos estudios y siendo tan grande el lugar. Intentamos entrar a la primera presentación del performance Victor alrededor de las 7:30pm, pero al estar abarrotado un guardia de seguridad nos lo impide. Triste. Mientras tanto me comunico por mensajes con Coline y Preciado. Les alcanzo en el patio mientras Alice y su amiga se quedan en un taller con algunas piezas de artes plásticas. Desafortunadamente no les vuelvo a ver ese día.

Una vez que nos encontramos, el primer estudio abierto que visitamos Coline, Preciado y yo es un performance del colombiano Fabián Castellanos Torres. Esperamos afuera del cuarto donde se presentará. Hay pocos lugares relativamente. Lxs latinxs llegamos temprano para alcanzar lugar. Entramos. Para ese momento ya tenemos vino en las manos. Presenciamos un performance de alrededor de 10 minutos perfectamente planeado en el que el artista con un pantalón negro, una máscara negra y el pecho descubierto mueve una serie de hilos que a su vez modifican la trayectoria de un pequeño barco en el piso. De pronto el performer se coloca una máscara blanca y juega con ella. Para mí es una referencia directa a la obra de Franz Fanon, pero no podría asegurarlo. El performance acaba con una ejecución musical en vivo en la que es evidente que el artista domina perfectamente su instrumento y la expresión a través de él. Luego al terminar los primeros aplausos ofrece al público algunas palabras de agradecimiento que serían traducidas por Ana Guerrero.

Apenas abren las puertas para salir de la habitación, corremos hacia el estudio de Victor para alcanzar lugares en esta ocasión. Somos de lxs primerxs en llegar. Nos acomodamos al fondo, en un cuarto con una mesa el centro y muy poco asientos alrededor. La mayoría de los estudios miden unos 25 metros cuadrados que incluyen el baño, una cocina y la cama. El de Victor está arreglado para la presentación de un performance que rebasará los límites del género. Después de que la gente se instala donde puede y como puede, Victor comienza una especie de ritual en el que camina alrededor de la mesa que está llena de objetos bizarros. Después nos contará a algunxs de nosotrxs que todos ellos son recolectados de las calles de París. Con esos elementos Victor se pasea por toda la pieza, pasando por encima de la mesa en ocasiones, arrojando o simplemente pasando mano a mano algunos de los objetos entre el público. Prende algunas velas, marcha con pasos cada vez más raros, invita a la audiencia a pararse frente a la ventana que da directo al Río Sena, pero donde también se encuentra una fotografía diminuta del artista. Mientras tanto Victor toma un espejo, se acuesta en el piso boca abajo y hace a dos personas ayudarle a leer un texto que está escrito al revés a una suerte de diario de campo. Tareas casi imposibles de cumplir, puesto que sus notas están en varios idiomas. Más tarde el artista lee él mismo un fragmento entre poético y político en el que se mezclan los policías internos con los agentes de migración y las heridas coloniales que todo latino viviendo en Europa carga inevitablemente.

Pese a que hay mucho de azar en la presentación de Victor, cada acto y objeto adquiere un valor simbólico para quienes lo presenciamos. Al final de su acción, Coline, Preciado y yo nos quedamos con él y comentamos su pieza. Según nuestra interpretación, juega con elementos que hacen detonar en lxs espectadorxs una serie de discusiones donde su propio rol se pone en juego. Como lo hace notar Coline, al situarse entre un acto completamente planeado y una improvisación radical, hace sentir que quien dirige el barco, en que estamos todxs, está totalmente fuera de sí y entonces todxs lo estamos. Sin llegar a conclusiones, puesto que no tendría de entrada por qué haberlas, discutimos los límites del arte acción entre el teatro, el performance, el happening o el arte participativo. Coincidimos, al menos, en que esas fronteras, en caso de que las haya, aportan más cuando son transgredidas o por lo menos cuestionadas. La obra recién terminada se presta perfecto para esas temáticas. Comentamos algunos de los otros talleres que hemos visto y nos movemos mientras tanto a visitar varios más. Presenciamos, entre ellos, todo un show de música brasileña especialmente ejecutado para nosotrxs, dado que ya pasan de las 9pm. Volvemos al patio central, ahí se nos une la siempre alegre y dispuesta a la fiesta, Anne Corté. Juntxs vamos al estudio donde supuestamente hay una. Al entrar, la obra que se trataba de una serie de imágenes en infrarrojo del artista orinando y haciendo algunas otras abyeccciones, así como una música de pop genérica no nos llaman la atención. Al platicar un poco entre nosotrxs decidimos no indagar más, dejar el lugar y regresar al estudio de Victor donde ya solamente Coline, Victor y yo bebemos el resto de la botella de vino que una vez más había cumplido en llevar.

Coline nos muestra y explica su obra usando el celular. Charlamos sobre el significado del arte para cada unx. Todo esto pasa muy rápido porque yo debo alcanzar el metro. Victor obtiene información por mensajes acerca de una nueva fiesta de Les Egusquiza cerca de la estación Gare de l’Est. Se lo piensa en ir. Yo también lo considero en mi interior. Pero nos gana el cansancio y la prudencia. Por desgracia ésta será la última semana en que coincidimos lxs tres porque Coline entrará a trabajar pronto en un horario que le impide visitar los talleres, y Victor, por su parte, regresará a Bremen, Alemania, donde reside normalmente en la actualidad, concluyendo así su estancia de 3 meses en la Cité des Arts. Nos despedimos lxs tres como si fuéramos gente que se conoce desde años atrás o desde niñxs. Hay un sentimiento de que compartimos algo y no sabemos qué es. En parte para responder eso está escrito todo este texto, así como el previo y los que espero poder seguir haciendo. 

Corte II

Tal como nuestras relaciones, no quisiera que estas notas respondan a criterio o requerimiento alguno. Se trata en todo caso de algo afectivo. Por ello, sé que muy probablemente la única gente que lea este documento serán lxs artistas mencionadxs, al menos serán quienes lo hagan con atención y específicamente en el fragmento en que se les nombra. Pero quizá podríamos ser más ambiciosxs y situarlo como algo más que un diario íntimo: un texto no de crítica, historia o filosofía del arte, sino cualquiera o ninguna de las anteriores a la vez. Como ya lo he especulado en otra ocasión, es probable que éste sea el tiempo del arte contemporáneo, como una moda más que también va a pasar. Pero entonces aprovechemos ese espacio para hacerlo explotar desde dentro antes de que nos explote a nosotrxs. Si el arte contemporáneo se trata más de relaciones públicas que de las obras, entonces hagámoslo efectivo y transformemos el mundo a través de nuestras conexiones ilegibles por sus propios códigos. Hablo de algo que pasa no sólo gracias a, sino, en la misma medida, pese a aquello que se hace llamar “arte contemporáneo”. Es cierto que somos contemporánexs en el sentido de que compartimos un tiempo. Pero éste es diminuto, efímero, frágil. No se sostiene de ninguna manera, por lo menos no entre todxs lxs mencionadxs. Imposible. Este tiempo depende de nosotrxs tanto como de cualquier otro factor ajeno que mantenga los vínculos, o que vuelva a cruzarnos más adelante. No sabemos. No es el tiempo seguro y calculado del arte contemporáneo. No hay precio para este tiempo de encuentros.

*Agradezco a mi compañera de vida Stefanía Acevedo por la lectura atenta y asesoramiento para la publicación de este texto.

Wednesday in the 5- floor building. Part 2

This text may be changed in the coming weeks depending on the response of those who are named in it. Any of you, feel free to let me know if there are any mistakes of information, if you wish to add any, if you prefer not to appear or if you prefer that I use a pseudonym.

Read Part 1

(October 16 to 23, 2024)

The second visit to the Cité des Arts was on October 16. This time I think I arrived even later. I always have a class that ends at 6:30 and I have to transport myself from Aubervilliers, where the Condorcet Campus is, where I study. That’s the first time I see Eider Yangana and we introduce ourselves. I meet Victor Artiga again and I show him some books printed by Taller XD, one of the publishing projects of Cráter invertido, and he is interested in some of them, as well as the one of my authorship, published by the UAM. I only remember one of the studios that day. It belonged to the Colombian artist Nicolás Vizcaíno Sánchez, who exposed through his work the extractivist mining in Cauca. As in many of the ateliers, to understand his proposal it is necessary not only to read the technical sheet, but also many of the bibliographic materials that are on a table. There are photo, installation and video articulating each other, through their research. In any case, one of the pieces that stands out by itself is a painting on black on black canvas. This room becomes the propitious environment so that after 9pm, the tables are moved to the side and a strong debate begins among the people present, most of them Latin Americans. Among these people are Jessica Castillo and Ana Guerrero, whom I will meet later. Issues include whether the term “Abya yala” is more appropriate as compared to “our America” or other possible names, but that is just the beginning.

While I open the wine that I did indeed bring, the conversation leads to the story of how some of them managed to get to the Cité des Arts, Paris, including specific calls that included identity requirements: Colombian Afro-descendant artists, for example. The question then arises as to how some of them were required to prove their Afro-descent by means of documents and bureaucratic procedures in their region to support it, regardless of the skin color that evidences it in some cases. As the conversation becomes denser, the question of who deserves to be there or not and why opens up. There are opposing positions. People raise their hands to speak and there is moderation. Still, I can’t help but notice that some cis men tend to hog the floor, interrupt others and stop taking turns. I guess these are things we will be gradually working on. Of course, I have an internal polemic about which privileges outweigh others, especially being among people who have indigenous or Afro roots, or are gender diverse, neurodivergent, etc. Some of them argue that we should be proud of having made it to this place. I understand the point, but, aware of my conditions, I try to be as brief as possible trying to point out that from a certain perspective all that could also be seen rather as an accident and that the danger is that, by not accounting for that, the art world feeds on our pride and discards us as soon as we stop serving it.

All this discussion is in Spanish, with the exception of a cis racialized man whose origin I do not know, to whom a cis Latina woman translates into English and also participates thanks to her, with sequential translation. But beyond the intersectional issues, there is now another reflection. Here we know that all language is domination. Those of us who are there seem to understand this and assume that having already lost our roots and accepted Spanish, any demand for language is not only absurd, but even police. For me at least, it is clear to me, based on my experience up to that point, that in Mexico speaking other languages is a matter of class. And when a mexicanx speaks good English or any other colonial language you know that you should not trust that person too much. But it is also true that from where I am at that moment, the idea of learning another language can be an infiltration into the world of the enemy, as Andrea Fuego’s translation of Don Mee Choi’s text, “Translation is a form = Translation is an anti-neolcolonial form” puts it. It won’t be more than a week before I make my own T-shirt with that inscription on it. I think about that sort of thing with my hand raised and between so many participations and standing in line waiting for another chance to talk, I’m running late. I have to take the subway and say goodbye. “See you next week?” Victor says to me, as his open studio will be on that occasion. I confirm and leave. I don’t need help to leave anymore.

For the following week’s visit I had already invited everyone I met on my way to the EHESS, where I am doing my postdoctoral stay. I didn’t even care about the discipline, let alone if I had seen them before. Above all, because of the ease of language, I communicated with people I heard speaking Spanish. Only three people attended the meeting: the artist and researcher Coline Raposa, the actor Preciado Rodríguez and the MA student Alice Rossi, who went with a friend of hers whose name I don’t remember.

I met Coline on Monday, October 21st in the Crous dining room of the EHESS. That day I only found out that we coincided in our interest in making and talking about art. French by birth, she has traveled and lived in different parts of the world since she was 19 years old, accumulating already about 10 years since she did it for the first time for a long period, traveling to Dominican Republic and Colombia, among other countries. As a result, Coline’s drawings are currently a mix between Latin American folklore and a sort of regularly dystopian futurism. The result is a kind of dark psychedelia that at the same time preserves a kind of innocence in the look. Dreams and fantasies, like cultural vindications, are combined with the nightmares of progress and civilization. In her strokes it is evident that when she draws her imagination begins to fly, distending time in a search that can only be of herself, as always, but through her context.

I had met Preciado a few weeks earlier at the wedding of a mutual friend, Jonathan Leyva, who is not in the arts or humanities, although I hope to convince him to do so in the near future. Since that time we met, I talked to Preciado about exploring oneself within artistic processes, mainly related to the performing arts. He tells me that he had originally studied engineering, but his passion for art led him to leave everything to pursue what he was attracted to and move to Paris, where he had lived for some time in his childhood, and then give his all to live his dreams. He studied theater already in this city and is currently pursuing his efforts to secure his own role on the local and national scene. When we met at the Cité des Arts, he had just come from a few performances in Lyon of his own version of Zorro, which he produces, directs and acts in. This work normally takes up many hours of his day, as well as all sorts of mental and emotional labors, where of course the questioning of his own status as a Latino in Europe constantly reappears.

I take some seminars with Alice at EHESS and we meet frequently. She is conducting a research on the color gray in the work of the painter Gerhard Richter, equally or more hyper-specialized than what I intend to do officially at that institution related to the figure of the point in Kandinsky. We are both interested in history, sociology or anthropology of art and image. When I meet her at the Cité des Arts that day, after visiting a studio where the artist guides us in a kind of meditation and self-exploration of the body through breathing, we get lost later in the corridors, there being so many studios and the place being so big. We try to enter the first presentation of the Victor performance around 7:30pm, but being crowded a security guard prevents us. Sad. In the meantime I communicate by messages with Coline and Preciado. I catch up with them in the courtyard while Alice and her friend stay in a workshop with some fine art pieces. Unfortunately I don’t see them again that day.

Once we meet, the first open studio Coline, Preciado and I visit is a performance by the Colombian artist Fabián Castellanos Torres. We wait outside the room where he will be performing. There are relatively few places. We Latinxs arrive early to get a seat. We go in. By this time we already have wine in our hands. We witness a performance of about 10 minutes perfectly planned in which the artist with black pants, a black mask and bare chest moves a series of threads that in turn modify the trajectory of a small boat on the floor. Suddenly the performer puts on a white mask and plays with it. For me it is a direct reference to the work of Franz Fanon, but I could not say for sure. The performance ends with a live musical execution in which it is evident that the artist masters perfectly his instrument and the expression through it. Then, at the end of the first applause, he offers the audience some words of thanks that would be translated by Ana Guerrero.

As soon as they open the doors to leave the room, we run to Victor’s studio to get places this time. We are among the first to arrive. We settle in at the back, in a room with a table in the center and very little seating around it. Most of the studios are about 25 square meters including a bathroom, a kitchen and a bed. Victor’s is set up for a performance that will push the boundaries of the genre. After people set up where they can and how they can, Victor begins a kind of ritual in which he walks around the table that is filled with bizarre objects. Later he will tell some of us that they are all collected from the streets of Paris. With these items Victor walks around the piece, sometimes stepping over the table, sometimes throwing or simply passing hand to hand some of the objects among the audience. He lights some candles, marches with increasingly odd steps, invites the audience to stand in front of the window that looks directly onto the Seine River, but where there is also a tiny photograph of the artist. Meanwhile Victor takes a mirror, lies on the floor face down and has two people help him read a text that is written upside down in a sort of field diary. Almost impossible tasks to accomplish, since his notes are in several languages. Later, the artist himself reads a poetic and political fragment in which the internal policemen are mixed with the migration agents and the colonial wounds that every Latino living in Europe inevitably carries.

Although there is a lot of chance in Victor’s presentation, each act and object takes on a symbolic value for those of us who witness it. At the end of his action, Coline, Preciado and I stayed with him and commented on his piece. According to our interpretation, he plays with elements that trigger in the spectators a series of discussions where their own role is put into play. As Coline points out, by placing himself between a completely planned act and a radical improvisation, he makes us feel that whoever is steering the ship, in which we all are, is totally out of his mind and so are all of us. Without coming to conclusions, since there would be no reason to draw them, we discussed the limits of action art between theater, performance, happening or participatory art. We agree, at least, that these boundaries, if there are any, contribute more when they are transgressed or at least questioned. The recently finished work lends itself perfectly to these themes. We comment on some of the other studios we have seen and move on in the meantime to visit several more. We witness, among them, a Brazilian music show specially performed for us, since it is already past 9pm. We return to the central patio, where we are joined by the always cheerful and ready to party, Anne Corté. Together we go to the studio where there is supposed to be one. Upon entering, the work, which was a series of infrared images of the artist urinating and doing some other abjection, as well as some generic pop music, does not catch our attention. After chatting a bit among ourselves we decide not to investigate any further, leave the place and return to Victor’s studio where only Coline, Victor and I drink the rest of the bottle of wine that he had once again complied to bring.

Coline shows and explains her work using the cell phone. We chat about the meaning of art for each other. All this goes by very fast because I have to catch the metro. Victor gets information by messages about a new Les Egusquiza party near the Gare de l’Est station. He thinks about going. I also consider it in my heart. But tiredness and prudence win out. Unfortunately, this will be the last week that the three of us will be together because Coline will soon start working on a schedule that prevents her from visiting the workshops, and Victor, for his part, will return to Bremen, Germany, where he normally resides at present, thus concluding his 3-month stay at the Cité des Arts. We say goodbye to each other as if we were people who have known each other for years or since childhood. There is a feeling that we share something and we don’t know what it is. Partly to answer that is what this text is written, as well as the previous one and the ones I hope to be able to continue writing.

Cut II

Like our relationships, I would not want these notes to respond to any criteria or requirements. It is in any case something affective. Therefore, I know that most probably the only people who will read this document will be the artists mentioned, at least those who do so with attention and specifically in the fragment in which they are mentioned. But perhaps we could be more ambitious and situate it as something more than an intimate diary: a text not of criticism, history or philosophy of art, but any or none of the above at the same time. As I have already speculated on another occasion, it is likely that this is the time of contemporary art, as one more fashion that will also pass. But then let’s take advantage of that space to explode it from within before it explodes us. If contemporary art is more about public relations than about the artworks, then let’s make it effective and transform the world through our connections, unreadable by its own codes. I am talking about something that happens not only thanks to, but, to the same extent, in spite of that which calls itself “contemporary art”. It is true that we are contemporanexs in the sense that we share a time. But this is tiny, ephemeral, fragile. It cannot be sustained in any way, at least not among all those mentioned. Impossible. This time depends on us as much as on any other external factor that maintains the links, or that crosses us again later on. We do not know. It is not the safe and calculated time of contemporary art. There is no price for this time of encounters.

*I thank my life partner Stefanía Acevedo for her attentive reading and advice for the publication of this text.